BAUHAUS/LOVE AND ROCKETS

Publicado: octubre 15, 2017 en Uncategorized

DAVID J.

EL CEREBRO DETRÁS DE BAUHAUS Y LOVE & ROCKETS

 

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  • Del expresionismo alemán y la oscuridad a la luz de una psicodelia vitalista. De Bauhaus 1919, pasando por Love & Rockets, David J. ha creado paralelamente una discografía alternativa altamente recomendable. El bajista de gafas sempiternas acaba de ver reeditado su primer disco en solitario, y una caja que compila todos los discos de Bauhaus. Admirado por Jane’s Addiction, NIN, Steven Wilson o Monster Magnet, es hora de repasar gran parte de su trayectoria discográfica.

 

Se acaba de reeditar tu debut, ‘Etiquette Of Violence’, que salió el mismo año que Bauhaus os despedisteis. Se nota amargura, que las canciones son puro Bauhaus.

Hacer aquel disco era como escaquearme de clase. Cada vez que tenía oportunidad me iba al Beck Studio, y grababa una canción. La única persona que estuvo allí fue mi hermano Kevin. Tocó la batería en la canción ‘No One’s Sending Roses’. En cuanto componía una nueva canción contrataba tiempo de estudio y la grababa. Por eso las canciones tienen esa cualidad vital y de inmediatez. Las letras depresivas…sí que pasé un periodo de bajón por lo de Bauhaus, era inevitable que llegara el final del grupo. A nivel personal, a pesar del título, sentí cierta liberación y alegría, detectable bajo la capa de malestar. Estoy feliz con la remasterización. Escuchas elementos que en el prensaje original no sonaban. Y el disco extra funciona bien, muchas canciones se perdieron o no hubo tiempo de terminarlas. Se encontraron de casualidad. Hacía como quince años que no escuchaba el disco, y me sorprende. ¡Lo audaz que era! Hay errores, pero como dice el sagaz Mr. Cohen, “hay una grieta en todo, por eso entra la luz”.

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¿Por qué ese título, y el color rojo en la carpeta interna del vinilo?

El título explotó de la oscura profundidad de mi subconsciente. Me gustaba la ironía extrema y que hubiera implícito sutilmente erotismo. El color rojo representa una herida, ¡o puede ser una vagina!

 

En el post punk el arma secreta era el bajo. Es obvio en Bauhaus. ¿Cómo era el proceso compositivo en el grupo?

Bien, muchas canciones se basaban en el bajo, es verdad. El proceso era muy instintivo y orgánico. Nunca discutíamos en ese ámbito, simplemente nos juntábamos a tocar. Pronto la idea principal emergía y frecuentemente solía salir de una línea de bajo o lo que estuviera tocando a la guitarra Daniel. Era una especie de supervivencia del más apto.

 

Tu bajo, en muchas canciones, es como de dub.

El dub y el reggae supusieron una influencia capital en mi aprendizaje tocando el bajo en los años del punk. Esa música nos llegó del mismo modo que las bandas negras americanas de R&B  afectaron a los grupos beat y de blues de las islas.

 

¿Cómo fueron los inicios? En seguida grabasteis ‘Bela Lugosi’s Dead’ (1979).

Éramos cuatro outsiders que se sentían naturalmente atraídos los unos a los otros y deseábamos crear una música que no había aparecido antes, que anhelábamos escuchar. Hubo una sesión de viejas películas de vampiros en televisión que Daniel y yo vimos. Hablamos del tema y ‘Bela Lugosi’s Dead surgió de esa conversación.

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La canción no está en el debut. Por cierto, acabas de regrabarla.

‘Bela’ la sacó Small Wonder Records, debíamos licenciarla para incluirla. Además, no la quisimos incluir, era distinta. Teníamos suficiente material. La nueva versión se grabó en un estudio en Oakland justo en el lado opuesto en donde está enterrada Elizabeth Short, la Dalia negra. Nos tomó una toma, las voces y todo. Los únicos añadidos fueron las voces femeninas y el autoharpa. Mí querida amiga Hill Tracy, artista avant garde y neo clásica, toca exquisitamente. Todos los músicos aportaron algo especial. Me encanta la voz de réplica de Hill. Yo me sentía en un estado de semi trance mientras cantaba. Tenía miedo de esa versión, pero resultó muy diferente. Hubo spoken word, y ya que yo escribí la letra, sentí que era legítimo. El pasaje cerca del final está tomado de un poema de Lord Byron, ‘The Giaour’, que significa El infiel en turco. Ese fragmento describe el viaje que condena al protagonista al vampirismo.

 

Volvamos a los inicios, al primer álbum, ‘In The Flat Field’ (1980).

Una experiencia intensa. Queríamos capturar la esencia de lo que la banda transmitía en directo. Un riesgo grabarlo sin una audiencia, aunque creo que parcialmente lo conseguimos. La producción es un poco suave, tampoco es terrible. Ha mejorado con los años.

 

‘Mask’ (1981) cambia ciertos registros sonoros del grupo.

Me gusta mucho ese álbum. Una evolución real para nosotros. Una ampliación de nuestra paleta. Estiramos ese aspecto y dibujamos desde una amplia gama de influencias; música funk, e incluso disco con twist. (Risas)

 

Aún siendo un disco más orientado al funk, se entrometen temas ominosos, estilo ‘Hollow Hills’.

Nunca planeamos el estilo de los discos. Las canciones brotaban. Nos encantaba tener ese contraste musical que se reflejaba en los directos. Peter escribió la letra de ‘Hollow Hills’. Trata de los montículos de los entierros druidas y celtas y los espíritus que se ven.

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El disco ‘The Sky’s Gone Out’ (1982) es más atmosférico.

Lo grabamos en los estudios Rockfield, una especie de estudio residencia ubicado en una zona semi rural de Gales. Funcionó ese método, nos condujo a indagar en nuestro interior y perdernos en la música. En parte lo improvisamos. Estábamos muy metidos en los escritores simbolistas del siglo diecinueve, como Baudelaire, Rimbaud, y en particular Isadore Ducasse. Llevamos a la práctica, un poco locos, la visión del dictado de Rimbaud, el sistemático desarreglo de los sentidos. Nos fascinaba la idea de que un álbum tan lleno de trasgresión y decadencia pudiera ser adquirido por todas las crías que se habían fijado en nosotros tocando ‘Ziggy Stardust’ en el Top Of The Pops. Las inocentes se expondrían a los placeres de la oscuridad. (Risas)

 

 

En la gira del disco tocó con vosotros un tema Nico.

Lo primero y principal, nos emocionó por lo gran fans que éramos de la Velvet Underground. Lo segundo…era triste verla tan dañada por su adicción. Quería que fuéramos su banda y saliéramos de gira con ella.

 

Actuasteis en la opera prima de Tony Scott, ‘El ansia’. ¿Hubo relación con Catherine Denueve o Susan Sarandon? Lo que sí recuerdo es que me dijiste una vez una gran anécdota de Bowie.

No, no tuve la suerte de charlar con las damas, ¡ay! Bowie, encantador y carismático. Nos trataba de otra forma que al resto, se identificaba más con nosotros por la música. La anécdota que aludes, es que en una jukebox de estilo años cincuenta, se puso a bailar ‘Groovin’ With Mr. Bloe’ de Mr.Bloe. Le dije, “me recuerda a ‘A New Career In A New Town’ del disco ‘Low’”. Se puso un dedo en los labios y continuó bailando”. (Risas)

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Es increíble que sacarais vuestro último disco, ‘Burning From The Inside’ (1983). Ya habíais anunciado la separación del grupo.

Un periodo extraño y de desafío. Empezamos a grabar sin Peter, enfermo de neumonía. Lo visitamos al hospital y nos dio su bendición para empezar con el entendimiento de que se reuniría a nosotros tan pronto como estuviera bien. Cuando lo hizo, habíamos grabado bastante, incluyendo dos canciones que Daniel y yo hicimos de solistas porque no quedaban bien con Peter. En cierta manera, esas sesiones son las raíces de Love and Rockets.

 

‘Who Killed Mr. Moonlight’…

Esa es una de las canciones que grabé como vocalista. La canté como una demo vocal. A Kevin, Daniel y el co-productor Derek Tompkins les gustó bastante y comentaron que debería quedar así. Esa canción se inspiró en el asesinato de John Lennon, una tragedia que me afectó profundamente. También había una evocación surrealista de un paisaje onírico. Un amigo me dijo que introducía mi mente en una pintura de Dalí, lo cual suena real.

 

‘Slice Of Life’, ‘King Vulcano’…suenan a música pagana.

Estoy de acuerdo. Me meten en la mente de esa peli escalofriante, ‘The Wicker Man’ (la original).

 

Realizasteis versiones de Bolan, Bowie, Eno, más tarde Dead Can Dance…y las caras b eran fantásticas. ‘Crowds’.

Son canciones con las que habíamos crecido y las adaptamos al grupo. Ese tema es un escrito de Peter sobre la inevitable inconsistencia de la fama.

 

En esa era coincidisteis con Joy Division, a los que versionasteis en la última gira en directo. ¿Qué tal con Ian Curtis?

Era muy fan de Bauhaus, y lo expresaba. Nosotros admirábamos a Joy Division. Nos conocimos, fue muy agradable. Aunque percibías algo escondido en él. Lo podías ver en sus ojos.

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Excepto a tu hermano, he entrevistado a todos los miembros de Bauhaus. Diría que tu y tu hermano teníais una conexión tocando, que Peter es como un actor del expresionismo alemán y Daniel Ash un imaginativo guitarrista y una estrella del glam rock.

Tus valoraciones me parecen correctas. Kevin es un inagotable trabajador silencioso, Daniel un artesano sónico, y Peter, creo, una clase de alma torturada.

 

¿Por qué esa tensión?

¡Para crear explosiones debes manejar elementos volátiles! (Risas) Bauhaus ha sido siempre una mezcla de caracteres muy fuertes y obstinados. Esa característica fundamental para que funcionáramos, propició el final.

 

Sólo habéis vuelto en dos ocasiones, en 1998 y en 2006, grabasteis un disco fantástico y adiós.

trentLos años adecuados para regresar. Alcanzamos nuestro máximo pico de calidad en directo en el 2006. ‘Go Away White’ muestra un gran sentimiento de rabia y urgencia. Le pusimos lo que considerábamos la mezcla en bruto a Trent Reznor en la gira que teloneamos a Nine Inch Niles. Le encantó tal como sonaba, y nos sugirió que lo publicáramos así. Eso es lo que pasó.

 

¿Qué piensas de la gira de Peter Murphy tocando un set list basado en Bauhaus?

Cualquiera de nosotros debería ser libre de revisitar esas canciones. Eso sí, es una meta muy alta y difícil de igualar o superar.

 

Es muy gracioso ver a gente tan dispar como Axl Rose o New Kid On The Blocks con camisetas vuestras. De hecho, Peter Murphy quiere colaborar con Axl. ¿Alguna relación con Guns N’ Roses?

En una palabra, ¡NO! (Risas)

 

Seguro que habrá bandas que uno no imagina que te gusten, y sean de tu agrado. No sé, AC/DC o Led Zeppelin.

Me gustan las dos bandas que citas. La más curiosa es Bread, que era de las favoritas de mi padre. Realicé una versión de su tema ‘The Guitar Man’ con Dave Navarro, Stephen Perkins, Bruce Capan y Mark Zozelek. ¡Vaya grupo!

 

¿Qué conciertos te impactaron en los setenta?

Esa es una pregunta difícil, hubo varios…El que mayor impresión me causó sin ninguna duda fue el de los Sex Pistols y The Clash en The 100 Club en Londres, 1976. Nada fue igual desde aquello.

 

Love and Rockets participasteis en un tributo a Joe Strummer.

Mantuve conversaciones con Joe varias veces y guardo muy buenos recuerdos de él. Era muy apasionado con un carisma revoltoso. Se le echa de menos.

 

Pasemos a Love and Rockets. Sin Murphy, sonasteis muy diferentes, más psicodélicos y acústicos. Los tres primeros discos sobre todo marcan un estilo. Leí que te metiste en las drogas psicodélicas entonces.

Love and Rockets era una brizna de aire fresco. Notabas un ambiente muy natural flotando en el proceso de grabación de esos discos. Nos sentíamos atraídos hacia la música psicodélica, a diferencia de Peter, por eso esa cara quedó apartada en Bauhaus. Si escuchas atentamente lo adviertes. Mis primeras experiencias, en efecto, ocurrieron con el inicio del grupo y ciertamente ayudaron a esos tres discos.

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Con el cuarto, triunfasteis en Estados Unidos gracias al single ‘So Alive’. ¿Qué se siente sabiéndose en la cima?

Una sorpresa agradable (Risas). Cuando aterrizamos en Nueva York de nuestro tour de 1989, el taxista nos reconoció y cantó la canción mientras cruzábamos Manhattan…En ese trayecto supimos que habíamos trascendido el underground. No duró mucho. (Risas)

 

¿Por qué dejasteis Northampton y os mudasteis a Los Ángeles?

Nos mudamos a Estados Unidos porque nuestras giras solían transcurrir allí, y era bueno para nosotros. Existe una generosidad de espíritu en California que me encanta. Nunca he vivido realmente en Los Ángeles, solo breves periodos de tiempo por trabajo. El tráfico es horrible. (Risas)

 

El disco de los noventa ‘Hot Trip To Heaven’ está muy infravalorado en mi opinión. Es casi trip hop.

Es uno de los discos favoritos del grupo. Pasamos por una experiencia muy liberadora, no teníamos ninguna canción y nos pusimos a grabar influenciados por la música electrónica de esa década.

 

¿Hubo problemas con Rick Rubin en ‘Sweet F.A.?

No, nos llevamos bien con Rick y nos ayudó bastante en la creación de ese disco, dándonos inteligentes ideas de producción. Lo frustrante es que el sello se hallaba en escasez de fondos de promoción. Es de nuestros mejores discos y está bastante ignorado.

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A lo largo de tu trayectoria, con Bauhaus o Love And Rockets, te han teloneado Birthday Party, Southern Death Cult, Jane’s Addiction…

Todas grandes bandas. Tocaban con nosotros en ese momento en que estás hambriento y pretendes sobresalir. Todas con un estilo diferente. Lo único en común la rabia y ese filo. Nos inspiraban a ser mejores.

 

Os llegaron a sugerir realizar la banda sonora de ‘El club de la lucha’ a Love And Rockets.

Nos dieron el guión muy pronto y consideraron que trabajáramos conjuntamente. Finalmente los productores eligieron The Dust Brothers, un buen acierto.

 

Terminemos con tu nuevo proyecto, tu noveno disco en solitario.

Estoy grabando ‘An Eclipse of Ships’. Espero que salga a lo largo de este año. En esencia, una celebración de la mujer, un tema cercano a mi corazón. (Risas) Es un disco que lleva dentro de mí mucho tiempo. La mayoría, como la revisión de ‘Bela’, está siendo grabado con todos los músicos tocando a la vez en la habitación. Eso ayuda a capturar una intimidad en la interpretación. En estilo puede rememorar a los discos casi acústicos, ‘Crocodile Tears’ o ‘Songs From Another Season’. E incluye elementos que jamás han figurado en mis discos. La instrumentación básica es el bajo, la percusión, un Rhodes antiguo, y  guitarras acústicas con ligeros y bellos toques de violín, mandolín, pedal steel, saxo y oboe. En lo que concierne a las canciones, hay dolor pero también un montón de alivio. ¡Os amo señoritas! (Risas)

Entrevista realizada para This Is Rock febrero 2014

COLUMNAS

 

ALAN MOORE

“Debes aprovechar cualquier ocasión para trabajar con Alan Moore, es un genio”. El bajista y el autor de cómics más brillante de los ochenta, no sólo comparten lugar de nacimiento, sino que incluso grabaron un EP bajo el nombre de The Sinister Duck como posible banda sonora a ‘V de Vendetta’. Preguntamos a Moore sobre su viejo colega.sinister-ducks

“David es una mente brillante, en busca de nuevos retos. Cuando sacamos el primer número de Dodgem Logic, incluimos un CD, ‘Nation of Saints, 50 Years of Northamptom Music’. David grabó un tema. No tuve más que llamarle y a los pocos días me envió una canción que hablaba de lo que había significado para él crecer en Northamptom. Es un buen amigo, y recuerdo con cariño los días de gloria de Bauhaus. Un grupo estupendo. Un detalle curioso, fui el primero que les hizo una entrevista. Salió al mismo tiempo que otra en una revista japonesa. Creo que la primera fue la mía. La primera en inglés, eso seguro. Un orgullo”.

 

 

PETER MURPHY Y EL FINAL DE BAUHAUS

bauhaus_band“Bauhaus es muy irracional, visceral, a nivel orgánico Con egos, la banda no funciona. Si nos metemos en una sala a tocar, todo está bien. Es obvio que alguien debe decir la verdad, y yo siempre soy el que habla abiertamente. Love and Rockets estaban arruinados en 1998, de ahí que me llamara su mánager para realizar una gira. Tuvimos una reunión.  Después de esa gira, les comenté que continuáramos, porque funcionó. No quisieron y nos despedimos. No los necesito. Soy feliz con mi material en solitario, pero aprecio al grupo. En 2004 o 2005 lo vi desde un ángulo comercial, y la reacción fue negativa. Organicé mi gira en solitario en el 2005. Kevin, el batería, me llamó para tocar como cabezas de cartel en Coachella, había una gran cantidad de dinero en la mesa. Así es la vida. Acepté, les dije que vale, que retrasaría mi gira. Y sucedió lo mismo. Hicimos el concierto, me presentaron a su mánager. Mi propuesta seguía en pie, hagamos algo real esta vez, un tour y un disco. Grabamos unas cuantas canciones, muy rápidas. Después surgió telonear a Nine Inch Nails, y yo colaboré con Trent. Fue una buena gira, pero les molestó que cantara con Trent. Se acabó la gira, se acabó todo. Se suponía que el disco iba a salir pronto, y aún no está en la calle. Les dije, “Es vuestra decisión, que os jodan”. Hemos hablado a través de abogados, y conseguido finalmente un sello para editar el disco. Bauhaus infelizmente están muertos, su música viva”.

Fragmento de una entrevista del autor de este artículo con Peter Murphy en 2007.

 

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